1 歴史
1.1 古代・中世の音楽（雅楽と声明）
日本の伝統音楽の最古の記録は、弥生時代から古墳時代にかけての考古学的出土品に見られる。しかし、体系的な楽曲が初めて文献に現れるのは、飛鳥時代から奈良時代にかけて中国や朝鮮半島からもたらされた雅楽である。雅楽は宮廷音楽として発展し、7世紀には朝廷に雅楽寮が設置された。同時期に仏教伝来とともに声明（しょうみょう）が寺院音楽として成立し、声明は後の邦楽の旋律やリズムに大きな影響を与えた。平安時代には国風歌舞（くにぶりのうたまい）が生まれ、日本独自の音楽様式が確立されていった。
1.2 近世の音楽（能楽と邦楽の発展）
鎌倉時代から室町時代にかけて、観阿弥・世阿弥父子によって能楽が大成された。能楽は謡（うたい）と囃子（はやし）を中心とする演劇音楽であり、後の邦楽の基盤となった。安土桃山時代から江戸時代にかけて、三味線が琉球を経て日本に伝来し、箏曲や尺八音楽とともに邦楽の三本柱が形成された。特に江戸時代は町人文化の隆盛に伴い、長唄、地歌、義太夫節などの多様な三味線音楽が発展した。また、箏曲は八橋検校によって基礎が築かれ、尺八音楽は虚無僧によって普及した。
1.3 近代・現代における変容
明治維新後、西洋音楽が本格的に導入され、日本の伝統音楽は学校教育や演奏会形式の変化に適応していった。宮内省に雅楽課が設置され、雅楽の保存が図られた。20世紀に入ると、宮城道雄らによって新日本音楽運動が起こり、箏曲に西洋音楽の要素を取り入れた作品が生まれた。第二次世界大戦後は、伝統音楽の衰退が危惧されたが、ユネスコ無形文化遺産への登録や文化庁の補助事業によって保存・継承が進められている。現代では、伝統楽器を使用した現代音楽やポップスとの融合も盛んである。
2 主要なジャンル
2.1 雅楽
雅楽は日本最古の宮廷音楽であり、管絃（かんげん）、舞楽（ぶがく）、国風歌舞（くにぶりのうたまい）の三つに大別される。中国や朝鮮半島から伝来した唐楽・高麗楽と、日本古来の歌謡が融合して成立した。演奏には笙、篳篥、龍笛などの管楽器と、琵琶、箏、太鼓、鉦鼓などの打楽器が用いられる。雅楽はユネスコ無形文化遺産に登録されている。
2.1.1 管絃
管絃は、舞を伴わない純粋な器楽合奏である。笙、篳篥、龍笛の三管が旋律を奏で、琵琶、箏、打楽器が加わる。楽曲は序破急の構成を持ち、ゆったりとした荘厳な雰囲気が特徴である。代表的な曲に『越天楽』がある。
2.1.2 舞楽
舞楽は、管絃の伴奏に合わせて舞を伴う形式である。左方の唐楽系と右方の高麗楽系に分かれ、装束や舞の型が異なる。舞人は独特の面を着けることがあり、優雅で様式化された動作が特徴である。
2.1.3 国風歌舞
国風歌舞は、日本古来の歌謡と舞を基礎とする雅楽の一分野である。神楽歌、東游（あずまあそび）、久米歌などが含まれ、宮中の祭祀や儀式で演奏される。声明の影響も見られ、歌の旋律は拍節感が薄い。
2.2 能楽
能楽は、観阿弥・世阿弥によって大成された日本の代表的な舞台芸術であり、謡（うたい）と囃子（はやし）を音楽の中心とする。能楽はシテ（主役）の舞と、地謡（じうたい）による合唱、囃子方による演奏で構成される。ユネスコ無形文化遺産に登録されている。
2.2.1 謡
謡は能楽の声楽部分であり、地謡と呼ばれる合唱団とシテが節をつけて詞章を歌う。独特の喉の使い方によって生まれるこぶしや抑揚が特徴で、西洋のベルカントとは異なる発声法を用いる。謡の旋律は、物語の展開や登場人物の心情を表現する。
2.2.2 囃子
囃子は能楽の器楽部分であり、能管（笛）、小鼓、大鼓、太鼓の四つの楽器からなる。これらの楽器はそれぞれ固有の奏法とリズムパターンを持ち、掛け声（かけごえ）を交えながら演奏される。囃子は舞や謡のテンポを支え、緊張感や静寂を創り出す。
2.3 邦楽
邦楽は、江戸時代以降に発展した日本の伝統音楽の総称であり、主に箏曲、三味線音楽、尺八音楽を指す。これらの音楽は互いに影響を与え合いながら、独自の様式を確立してきた。
2.3.1 箏曲
箏曲は、箏（こと）を主奏楽器とする音楽である。江戸初期に八橋検校が基礎を築き、後に生田検校、山田検校によって流派が分かれた。箏曲には独奏曲と、三味線や尺八との合奏曲がある。代表的な曲に『六段の調』、『春の海』（宮城道雄作曲）がある。
2.3.2 三味線音楽
三味線音楽は、三味線を主奏楽器とする音楽の総称で、その種類は多岐にわたる。江戸時代に三味線が庶民に広まり、長唄、地歌、義太夫節などが発展した。
2.3.2.1 長唄
長唄は、江戸で発展した三味線音楽で、主に歌舞伎の伴奏音楽として用いられる。華やかで劇的な旋律が特徴であり、囃子も加わる。代表的な曲に『勧進帳』、『藤娘』がある。
2.3.2.2 地歌
地歌は、上方（京都・大阪）で発展した三味線音楽で、主に室内楽として演奏される。手事（てごと）と呼ばれる器楽的な間奏部分が発達しており、箏や尺八と合奏されることも多い。代表的な曲に『黒髪』、『残月』がある。
2.3.2.3 義太夫節
義太夫節は、人形浄瑠璃の語り物音楽であり、太夫が三味線の伴奏で物語を語る。激しい感情表現と細かな節回しが特徴で、後に歌舞伎にも取り入れられた。代表的な曲に『曽根崎心中』、『仮名手本忠臣蔵』がある。
2.3.3 尺八音楽
尺八音楽は、尺八を主奏楽器とする音楽である。元は虚無僧が吹いた宗教的な本曲と、三味線や箏と合奏する外曲に大別される。
2.3.3.1 本曲
本曲は、尺八独奏のための伝統的な楽曲であり、虚無僧によって伝承された。宗教的な瞑想音楽の性格を持ち、自由なリズムと息の技法が特徴である。代表的な曲に『鹿の遠音』、『虚空』がある。
2.3.3.2 外曲
外曲は、箏曲や地歌、長唄など他のジャンルの楽曲を尺八で演奏したものである。主に合奏曲として発展し、三曲（箏・三味線・尺八）の一翼を担う。代表的な曲に『千鳥の曲』がある。
2.4 民俗芸能と祭礼音楽
民俗芸能と祭礼音楽は、日本の各地域で伝承されてきた音楽であり、田楽、神楽、盆踊り唄などが代表的である。これらは祭礼や農耕行事と結びつき、地域のアイデンティティを形成している。
2.4.1 田楽
田楽は、田植えや農耕行事に伴って行われた民俗芸能である。笛や太鼓、鉦などの伴奏で舞いながら田植えの動作を模倣する。後に能楽や歌舞伎の起源の一つとも言われ、現在も各地に伝承されている。
2.4.2 神楽
神楽は、神社の祭祀で神前に奉納される音楽と舞である。神楽には鈴や太鼓、横笛が用いられ、神話のストーリーを演じるものや、舞だけのものがある。神楽は日本各地で多様な形態が見られる。
2.4.3 盆踊り唄
盆踊り唄は、盂蘭盆会の時期に踊られる盆踊りに伴奏される歌である。地域ごとに独自の旋律と歌詞があり、太鼓や鉦のリズムに合わせて輪になって踊る。音楽は単純な旋律を反復するものが多く、参加者全員が歌えるようになっている。
3 楽器
3.1 弦楽器
3.1.1 箏
箏は、長さ約180センチメートルの木製の胴に十三本の弦を張った撥弦楽器である。弦は糸または金属でできており、左手で押さえながら右手の爪（義爪）で弾く。琴柱（ことじ）と呼ばれる可動式の支柱で音程を調整する。雅楽の「楽箏」と邦楽の「俗箏」に大別される。
3.1.2 三味線
三味線は、木製の胴に蛇皮または猫皮を張り、三本の弦を撥（ばち）で弾く擦弦楽器である。琉球の三線を起源とし、江戸時代に日本本土で発展した。弦の太さや撥の形状によって、長唄用、地歌用、義太夫節用など種類が分かれる。
3.1.3 琵琶
琵琶は、中国起源の撥弦楽器で、雅楽や平曲（平家琵琶）に用いられる。雅楽琵琶は四本の弦を撥で弾き、平曲では語りに合わせて奏する。楽器の形状や奏法は時代とともに変化した。
3.2 管楽器
3.2.1 尺八
尺八は、竹製のリードのない縦笛で、管の端を斜めに切り落とした形状を持つ。五つの指孔があり、息の角度や強弱によって音程や音色を変える。明笛や普化尺八などの種類があり、現在も広く用いられている。
3.2.2 能管
能管は、能楽に用いられる竹製の横笛である。管の内部に漆を塗り、独特の乾いた高音を奏でる。リードはなく、息の圧力と指使いで多彩な音色を出す。
3.2.3 篳篥
篳篥は、雅楽に用いられる木製の縦笛である。管の上部にリード（蘆舌）を付け、両手で管の側孔を覆いながら奏する。音色は太く力強く、雅楽の主旋律を担う。
3.3 打楽器
3.3.1 太鼓
太鼓は、皮を張った打楽器で、雅楽、能楽、民俗芸能など幅広く用いられる。雅楽太鼓は木枠に皮を張り、撥で打つ。能楽太鼓は皮の調節で音程を変え、独特の掛け声を伴う。
3.3.2 鉦鼓
鉦鼓は、雅楽に用いられる小型の銅鑼である。棒で打ち鳴らして拍子を刻む。高音で澄んだ響きが特徴であり、リズムの基準となる。
3.3.3 鞨鼓
鞨鼓は、雅楽の舞楽で用いられる小型の太鼓で、腰に吊るして両手の撥で打つ。演奏者は独特の撥さばきを見せる。
4 音楽理論と特徴
4.1 音階と旋法
日本の伝統音楽の音階は西洋の長短調とは異なり、複数の音階体系が存在する。主なものに陰音階と陽音階、都節音階と律音階がある。
4.1.1 陰音階と陽音階
陰音階は、半音を含む微妙な旋律の動きが特徴で、邦楽の哀愁を帯びたニュアンスを生む。陽音階は五音音階（ペンタトニック）に近く、明朗な印象を与える。これらの音階は、西洋の長調・短調のように明確な調性を持つわけではなく、旋法によって変化する。
4.1.2 都節音階と律音階
都節音階は、雅楽や能楽の旋律に用いられる音階で、主音とその上下の音が特徴的である。律音階は、明快な五音音階で、民謡や祭礼音楽に多く使われる。両者は音の間隔が異なり、異なる表情を生み出す。
4.2 リズムと拍子
4.2.1 拍節感のない自由リズム
声明や尺八の本曲、一部の謡では、拍節感のない自由なリズムが用いられる。これは演奏者の呼吸や感情に合わせてテンポが変化し、独特の間（ま）を生む。
4.2.2 拍節感のある八拍子
雅楽や長唄では、八拍子の周期でリズムが刻まれることが多い。これは西洋の4拍子に似ているが、アクセントの位置や拍の長短が異なる。能楽の囃子にも八拍子のパターンが見られる。
4.3 間（ま）の美学
日本の伝統音楽では、音と音の「間」（沈黙）が重要な表現要素とされる。間は緊張感や余韻を生み出し、演奏の呼吸や情感を伝える。特に尺八や能楽では、間の取り方によって演奏者の技量が評価される。
4.4 即興と定型
日本の伝統音楽は、厳格な定型と即興の両方を含む。雅楽や能楽の楽曲は演奏ごとに細かい変化が許されるが、流派ごとに決まった型がある。一方、地歌や長唄の手事（器楽部分）では演奏者の即興性が発揮される。この定型と即興のバランスが、伝統音楽の深みを生んでいる。
5 伝承と教育
5.1 口伝と師弟制度（家元制度）
日本の伝統音楽の伝承は、主に口伝と師弟制度に依存している。師匠が弟子に直接演奏を教え、楽譜だけでは伝えられない微妙なニュアンスを継承する。家元制度は、流派の頂点に立つ家元が曲の解釈や奏法の正統性を管理し、免状を発行するシステムである。この制度は、伝統の保持と同時に革新を抑制する側面もある。
5.2 楽譜と記譜法
日本の伝統音楽には、独自の楽譜が発達している。これらは音高とリズムを完全に指定するものではなく、演奏者の解釈に委ねる部分が多い。
5.2.1 工尺譜
工尺譜は、雅楽で用いられる数字譜で、音名を漢字で表記する。中国の工尺譜を起源とし、現代でも雅楽の楽譜として使われる。ただし、リズムや装飾は別途伝授される。
5.2.2 唱歌（しょうが）
唱歌は、楽器の奏法を口唱歌（くちしょうが）として言葉で表現するものである。能楽の囃子や尺八の本曲で用いられ、旋律を「トロロ」「ツン」などの擬音で記憶する。この方法は、リズムや音色の微妙な違いを伝えるのに有効である。
5.3 現代の保存と普及活動
現代では、文化庁や地方自治体による伝統音楽の保存事業が行われている。また、学校教育に和楽器の授業が導入され、若い世代への普及が図られている。一方で、家元制度の継承者不足や生活様式の変化により、伝統音楽の維持は課題を抱えている。NPO法人やボランティアによるワークショップも盛んである。
6 現代における展開
6.1 伝統音楽と現代音楽の融合
20世紀後半以降、日本の伝統音楽は現代音楽と積極的に融合している。作曲家の武満徹は、琵琶や尺八をオーケストラと共演させた作品を発表した。また、箏奏者や尺八奏者がクラシック音楽や電子音楽とコラボレーションする例が増えている。このような試みは、伝統楽器の新たな可能性を開拓しつつある。
6.2 ポップカルチャーへの影響（アニメ・ゲーム音楽）
日本の伝統音楽の要素は、アニメやゲームのサウンドトラックに多く取り入れられている。尺八や箏の音色がファンタジー作品の神秘的な雰囲気を演出し、和風の旋律が作品の世界観を強化する。『鬼滅の刃』『もののけ姫』などの作品がその例である。また、ゲーム音楽では、伝統的な音階や打楽器のリズムが効果的に使用されている。
6.3 海外での受容と国際文化交流
日本の伝統音楽は海外でも評価が高まっている。雅楽や能楽は欧米の音楽祭で演奏され、尺八は現代音楽やジャズとの共演が注目されている。日本語を超えた音楽の美しさが理解され、国際交流の重要な手段となっている。日本政府や芸術団体による海外公演やワークショップも活発に行われている。