ロシア時代（1882-1914）
幼少期と音楽教育
イーゴリ・ストラヴィンスキーは1882年6月17日、ロシア帝国のオラニエンバウム（現在のロモノーソフ）に生まれた。父親はオペラ歌手であり、幼少期から音楽に親しんだが、法律学を学ぶためにサンクトペテルブルク大学に進学した。しかし音楽への情熱が勝り、独学で作曲理論を学び始めた。1902年、大学在学中にニコライ・リムスキー＝コルサコフと出会い、その指導を受けるきっかけを得る。
リムスキー＝コルサコフとの出会い
リムスキー＝コルサコフはストラヴィンスキーの才能を認め、1903年から1908年まで私人教授として作曲法と管弦楽法を指導した。この期間にストラヴィンスキーは交響曲作品などの初期作品を書き、ロシア民族音楽の伝統を吸収した。リムスキー＝コルサコフの死後、ストラヴィンスキーは師への追悼作品「葬礼歌」（1908年）を発表し、作曲家としての地位を確立し始めた。
スイスとフランス時代（1914-1939）
第一次世界大戦と亡命生活
第一次世界大戦の勃発により、ストラヴィンスキーは家族とともにスイスに滞在し、ロシア革命後は帰国不能となった。スイスでは経済的に困難な時期を過ごしながらも、作曲家としての創作を続けた。1914年から1920年にかけて、ロシア民俗音楽に基づく作品（「結婚」など）や、小編成のための作品を手掛けた。1920年、フランスに移住し、パリを拠点に活動するようになる。
新古典主義への転換
1920年代に入ると、ストラヴィンスキーはロマン主義的な表現から距離を置き、18世紀の音楽様式を参照する新古典主義へと作風を転換した。この転換はバレエ「プルチネルラ」（1920年）に明確に現れ、ジャン＝バティスト・ペルゴレージの音楽を基にしながらも現代的な和声とリズムを組み合わせた。以降、オーケストラ作品や室内楽、オペラ＝オラトリオ「オイディプス王」（1927年）などで新古典主義的手法を展開した。
アメリカ時代（1939-1971）
市民権と定着
第二次世界大戦の勃発を受け、ストラヴィンスキーは1939年にアメリカ合衆国へ移住した。1945年にアメリカ市民権を取得し、ロサンゼルスに定住した。この時期、ハーバード大学での講義（後の「音楽の詩学」として出版）や、様々なオーケストラとの協働を通じて、アメリカ音楽界に大きな影響を与えた。1940年代には交響曲や協奏曲などの大規模作品を発表し、新古典主義様式をさらに発展させた。
セリアル手法への接近
1950年代初頭、ストラヴィンスキーはアルノルト・シェーンベルクやアントン・ウェーベルンらが確立した十二音技法に強い関心を抱くようになった。弟子のロバート・クラフトとの対話や研究を経て、セリアル手法を自身の語法に取り入れ始めた。この転換は「カンティクム・サクルム」（1955年）や「アゴン」（1957年）に現れ、以降の作品で十二音技法を独自に適応した。
ロシア民族主義の影響
民俗旋律とリズムの活用
ストラヴィンスキーの初期作品は、ロシア民俗音楽の旋律やリズムに強く影響を受けている。特に不規則な拍子やアクセント、反復的なリズムパターンは、民謡や民俗舞踊から着想を得ている。これらの要素は「火の鳥」や「春の祭典」で顕著であり、伝統的な民俗素材を大胆に変形・再構成することで、斬新な音楽言語を生み出した。
新古典主義
バロックや古典派への参照
新古典主義期のストラヴィンスキーは、バロック時代のコンチェルト・グロッソや古典派のソナタ形式、フーガなどの形式を現代的な文脈で再解釈した。和声面では調性を保持しつつも、機能和声から逸脱した不協和音やポリトナリティを積極的に用いた。「詩篇交響曲」では、バッハ風の対位法とグレゴリオ聖歌の様式を融合し、新古典主義の代表作となった。
セリアル手法
十二音技法の独自適応
ストラヴィンスキーはシェーンベルクの十二音技法を厳格には採用せず、独自の方法でセリアル手法を変形させた。特に音列を分割してオスティナート的に反復する手法や、複数の音列を同時に使用するポリセリアリズムを特徴とする。「ムーヴメンツ」では、ピアノとオーケストラの対話がセリアルな語法で展開され、後期の代表作「レクイエム・カンティクル」では、十二音技法と自由なナンバー構造を組み合わせている。
初期バレエ作品
火の鳥（1910）
バレエ・リュスの主宰者セルゲイ・ディアギレフの依頼で作曲された「火の鳥」は、ストラヴィンスキーの国際的な成功のきっかけとなった作品である。ロシア民話に基づく物語で、魔術的な色彩と民族色豊かな旋律が特徴。特に終曲の「終わりの踊り」は華麗な管弦楽法で知られる。
ペトルーシュカ（1911）
「ペトルーシュカ」は、謝肉祭の市場を舞台に、人形に命が宿る悲喜劇的なバレエである。ピアノ協奏風の書法と、不協和音を多用した和声（特に「ペトルーシュカ和音」として知られる二つの調の同時使用）が革新的であった。ロシア民俗音楽と都会的なキャバレー音楽の対比が巧みに描かれている。
春の祭典（1913）
「春の祭典」は、古代スラヴの異教儀式を題材にした作品で、1913年初演時に観客の大スキャンダルを巻き起こした。衝撃的な不協和音、複雑なポリリズム、不規則なアクセントの連続は、伝統的な音楽の枠組みを打ち破った。特に「春のロンド」「いけにえの踊り」は、リズムの執拗な反復と音響的な暴力性で有名である。
新古典主義期の代表作
プルチネルラ（1920）
「プルチネルラ」は、ペルゴレージの未発表の楽譜を基にしたバレエで、新古典主義への転機となった作品。18世紀の音楽を現代的な和声とオーケストレーションで再解釈し、過去の様式へのオマージュとパロディー的な要素を併せ持つ。プーランクやラヴェルら同時代の作曲家にも影響を与えた。
詩篇交響曲（1930）
「詩篇交響曲」は、ラテン語の詩篇（第39篇、第40篇、第150篇）に基づく三楽章構成の合唱交響曲である。オーケストラからヴァイオリンとヴィオラを省き、ピアノとハープを加えた特異な編成が特徴。厳格な対位法と禁欲的な響きは、バッハ様式への回帰を示している。
三楽章の交響曲（1945）
「三楽章の交響曲」は、第二次世界大戦の影響を受けた作品で、力強いリズムと劇的な対比が際立つ。新古典主義様式の集大成とも言え、協奏的な要素（ピアノとハープのソロ）と交響的な発展が融合している。
後期セリアル作品
ムーヴメンツ（1959）
「ムーヴメンツ」は、ピアノとオーケストラのための作品で、ストラヴィンスキーのセリアル手法が完全に開花した例である。五つの短い楽章から構成され、音列の分割と反復による微細なモチーフの連鎖が特徴。ウェーベルンの点描的手法に影響を受けつつも、ストラヴィンスキー独自のリズム感覚が保たれている。
レクイエム・カンティクル（1966）
「レクイエム・カンティクル」は、ストラヴィンスキーの最後の主要作品であり、ラテン語のレクイエム典礼文に基づく。十二音技法を用いながらも、伝統的なレクイエムの朗唱様式や鐘の音響を想起させる要素が融合されている。作品全体に死と静謐の気配が漂い、作曲家の人生観が凝縮されている。
同時代の作曲家への影響
バレエ・リュスとの協働
ディアギレフのバレエ・リュスとの協働は、ストラヴィンスキーのキャリアにおいて最も重要な関係の一つである。振付師ミハイル・フォーキン、ヴァーツラフ・ニジンスキー、ジョージ・バランシンらとの協力は、音楽と舞踊の新たな融合を生み出した。この協働関係は、ラヴェル、ドビュッシー、プーランクら同時代の作曲家にも影響を及ぼし、20世紀バレエ音楽の発展に決定的な役割を果たした。
20世紀後半の音楽への波及
ミニマリズムやポストモダニズムとの関係
ストラヴィンスキーのリズム的推進力と反復技法は、スティーヴ・ライヒやフィリップ・グラスらミニマリスト作曲家に直接的な影響を与えた。「春の祭典」の執拗なリズム反復は、ミニマリズムの先駆と見なされる。また、過去の音楽様式を引用する新古典主義の手法は、ポストモダニズムの作曲技法（パスティーシュやコラージュ）の先例を提供した。
大衆文化における受容
映画やアニメでの引用
ストラヴィンスキーの音楽は、その劇的なインパクトから映画やアニメーションで頻繁に引用される。「春の祭典」はディズニーの「ファンタジア」（1940年）で地球創世のシーンに使用され、広く知られるようになった。また、ホラー映画やサスペンス作品で緊張感を高めるための楽曲としても多用され、現代のポップカルチャーにおいてもクラシック音楽のアイコン的存在である。