1.1 起源（16世紀末〜17世紀初頭）
オペラは16世紀末のイタリア、特にフィレンツェで誕生した。当時の知識人グループ「カメラータ」が古代ギリシャ演劇の再現を試み、台詞を音楽的に表現する方法としてモノディ様式（単旋律に伴奏を付ける形式）を考案した。1597年にヤコポ・ペーリが作曲した『ダフネ』が最初のオペラとされ、1600年の『エウリディーチェ』が現存する最古の作品である。これらの作品は神話を題材とし、レチタティーヴォ（語りに近い歌唱）とアリア（旋律的な歌唱）の基本形態を確立した。
1.2 バロック時代（17世紀〜18世紀前半）
バロック時代にはオペラがヨーロッパ各地に広がり、特にヴェネツィアで隆盛を極めた。クラウディオ・モンテヴェルディは『オルフェオ』（1607年）で劇的な表現力と豊かな管弦楽を導入し、オペラを芸術として確立した。17世紀後半にはナポリでオペラ・セリア（正歌劇）が発展し、作曲家アレッサンドロ・スカルラッティがダ・カーポ・アリア（三部形式のアリア）を標準化した。同時にオペラ・ブッファ（喜歌劇）も人気を博し、軽妙な主題とアンサンブルが特徴となった。フランスではジャン＝バティスト・リュリがルイ14世の庇護の下、バレエや合唱を取り入れたフランス風オペラ（トラジェディ・リリック）を創始した。
1.3 古典派・ベルカント時代（18世紀後半〜19世紀前半）
18世紀後半、クリストフ・ヴィリバルト・グルックがオペラ改革を推進し、台本と音楽の統一性、自然な表現を重視した。ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトは『フィガロの結婚』（1786年）、『ドン・ジョヴァンニ』（1787年）などで、台本の巧みさと音楽の深みを融合させ、古典派オペラの頂点を築いた。19世紀初頭にはイタリアでベルカント（美しい歌唱）様式が栄え、ジョアキーノ・ロッシーニ、ガエターノ・ドニゼッティ、ヴィンチェンツォ・ベッリーニが華麗な旋律と技巧的な歌唱を特徴とする作品を生み出した。
1.4 ロマン派時代（19世紀）
19世紀のロマン派オペラは、感情表現とナショナリズムを重視し、規模と複雑さを増した。ジュゼッペ・ヴェルディは『椿姫』（1853年）や『アイーダ』（1871年）で人間ドラマを力強く描き、イタリアオペラの巨匠となった。リヒャルト・ワーグナーは「総合芸術」を掲げ、楽劇（ミュージックドラマ）を創始。『ニーベルングの指環』四部作（1876年完全初演）では無限旋律やライトモティーフを駆使し、オペラの概念を変革した。フランスではシャルル・グノー、ジャック・オッフェンバック、ジョルジュ・ビゼーらがグランド・オペラやオペラ・コミックを発展させ、ビゼーの『カルメン』（1875年）は写実主義の傑作とされる。
1.5 20世紀以降のオペラ
20世紀に入ると、オペラは多様な様式を吸収した。ジャコモ・プッチーニは『蝶々夫人』（1904年）や『トゥーランドット』（未完、1926年初演）でヴェリズモ（写実主義）を極めた。リヒャルト・シュトラウスは『ばらの騎士』（1911年）で後期ロマン派の官能性を追求。アルバン・ベルクの『ヴォツェック』（1925年）や『ルル』（1937年初演）は無調音楽と表現主義を導入した。現代では、ジョン・アダムズ『ニクソン・イン・チャイナ』（1987年）やトーマス・アデス『テンペスト』（2004年）など、歴史や文学を題材に新たな地平を開いている。
2.1 音楽
2.1.1 声楽
2.1.1.1 歌手の声種（ソプラノ、テノールなど）
オペラの声楽は声種によって役割が決まる。女性では、高音域のソプラノ（主役のヒロインなど）、中音域のメゾソプラノ（侍女や若い女性など）、低音域のアルト（老女や魔女など）がある。男性では、高音域のテノール（ヒーローや恋人役）、中音域のバリトン（父親や悪役など）、低音域のバス（王や僧侶など）が代表的。さらに特殊な声種として、カストラート（歴史的に使われた高音男性声）の代役としてのカウンターテナーも現代では活躍する。各声種は、倍音や響きの特性を活かしたアリアを歌う。
2.1.2 管弦楽
オーケストラはオペラに不可欠で、歌手の伴奏だけでなく、劇の雰囲気を描き、登場人物の感情を音楽で表現する。通常は弦楽器、木管楽器、金管楽器、打楽器から構成され、ピット（オーケストラボックス）に配置される。ワーグナー以降は楽器編成が拡大し、特定の楽器がキャラクターやテーマを象徴するライトモティーフが多用される。序曲や間奏曲ではオーケストラが単独で演奏し、劇の導入や転換を担う。
2.2 台本
台本（リブレット）はオペラの物語の基盤となるテキストで、詩と対話で構成される。通常は作曲家と台本作家が協力し、韻律や言葉の響きが音楽と調和するように設計される。有名な台本作家には、モーツァルトと組んだロレンツォ・ダ・ポンテや、ヴェルディと組んだアリーゴ・ボーイトがいる。台本は歴史、神話、文学から題材を取ることが多く、翻訳や改作も頻繁に行われる。
2.3 舞台美術・演出
舞台美術は、オペラの視覚的世界を構築する要素で、背景画、小道具、衣裳、照明などを含む。19世紀のグランド・オペラでは壮大なセットが特徴だったが、現代では抽象的なデザインや映像技術を活用する演出も多い。演出家（レジッセール）は、台本と音楽を解釈し、歌手の演技や舞台の動きを統括する。近年では、伝統的な舞台設定から大胆な現代解釈まで多様なアプローチが見られる。
2.4 舞踊
バレエやダンスは、特にフランスオペラで重要な役割を果たす。17世紀のリュリの作品では、バレエが劇中に組み込まれ、場面転換や祝祭の演出に用いられた。19世紀のグランド・オペラ（例：マイアベーアの作品）では、華麗なバレエの場面が人気を博した。ワーグナーは舞踊を音楽と統合したが、現代オペラでは、モダンダンスやコンテンポラリーダンスを取り入れる演出も一般的である。
3.1 アリアとレチタティーヴォ
アリアは旋律的で感情を歌い上げる楽曲で、主人公の心情を表現する中心的な要素である。バロック時代以降、ダ・カーポ・アリア（三部形式）が標準となり、ロマン派ではより自由な形式に発展した。一方、レチタティーヴォは言語のリズムに近い歌唱で、台詞の進行や物語の説明を担う。通常はチェンバロやオーケストラの簡素な伴奏が付き、セッコ（乾いた）レチタティーヴォと伴奏付きレチタティーヴォに分類される。
3.2 序曲と間奏曲
序曲はオペラの冒頭で演奏される器楽曲で、聴衆を曲の世界に誘う。モーツァルトの『フィガロの結婚』や、ロッシーニの『ウィリアム・テル』などは有名。間奏曲は幕間や場面転換の際に演奏され、時間経過や心理状態を音楽で描く。マスカーニの『カヴァレリア・ルスティカーナ』の間奏曲は特に独立して演奏されることが多い。
3.3 合唱と重唱
合唱は群衆の場面で使われ、歌劇に壮大な雰囲気を加える。ヴェルディの『ナブッコ』の「行け、我が想いよ、黄金の翼に乗って」は名高い。重唱（二重唱、三重唱など）は複数の登場人物が同時に歌い、対立や共感を表現する。モーツァルトの『ドン・ジョヴァンニ』の六重唱や、ロッシーニの『セビリアの理髪師』の二重唱は、声部の重なりによる劇的な効果が評価される。
4.1 イタリアオペラ
4.1.1 ヴェルディ
ジュゼッペ・ヴェルディ（1813-1901）は、イタリアオペラの巨匠で、人間の情熱と政治を描いた作品で知られる。代表作『椿姫』（1853年）は、高級娼婦ヴィオレッタの悲恋を描く。『アイーダ』（1871年）は古代エジプトを舞台にした壮大な恋物語で、凱旋行進曲が有名。他に『イル・トロヴァトーレ』、『リゴレット』、『ドン・カルロ』などが挙げられ、その旋律の美しさと劇的構成で世界中で愛される。
4.1.2 プッチーニ
ジャコモ・プッチーニ（1858-1924）は、ヴェリズモ（写実主義）の影響を受け、日常的な悲劇を情感豊かに描いた。代表作『蝶々夫人』（1904年）は、アメリカ人将校と日本人女性の悲恋を描き、『トゥーランドット』（未完、1926年初演）では中国を舞台にした謎かけの物語。『ラ・ボエーム』（1896年）はパリの芸術家たちの青春を歌い、『トスカ』（1900年）は政治的陰謀と愛を扱う。
4.2 ドイツオペラ
4.2.1 ワーグナー
リヒャルト・ワーグナー（1813-1883）は、楽劇の概念を創始し、音楽と演劇の完全な融合を目指した。四部作『ニーベルングの指環』（1876年完全初演）は北欧神話に基づき、「ラインの黄金」「ヴァルキューレ」「ジークフリート」「神々の黄昏」から成る。ライトモティーフと無限旋律を駆使し、オペラの長尺化と和声の拡張に貢献した。他に『タンホイザー』、『ローエングリン』、『トリスタンとイゾルデ』がある。
4.3 フランスオペラ
フランスオペラは、バレエや視覚的な豪華さを特徴とする。リュリの流れを汲み、ビゼーの『カルメン』（1875年）は情熱的なヒロインと悲劇の結末で名高い。シャルル・グノーの『ファウスト』（1859年）はゲーテの作品を基にしたグランド・オペラ。ジャック・オッフェンバックの『地獄のオルフェ』（1858年）はオペレッタ（喜歌劇）の代表作で、カンカンが有名。マスネの『マノン』（1884年）も人気がある。
4.4 その他の地域のオペラ
ロシアでは、ミハイル・グリンカが『ルスランとリュドミラ』（1842年）で国民オペラを創始。モデスト・ムソルグスキーの『ボリス・ゴドゥノフ』（1874年）やピョートル・チャイコフスキーの『エフゲニー・オネーギン』（1879年）が傑作とされる。チェコでは、ベドルジハ・スメタナの『売られた花嫁』（1866年）やアントニン・ドヴォルザークの『ルサルカ』（1901年）が民話を基にする。イギリスではベンジャミン・ブリテンの『ピーター・グライムズ』（1945年）が現代オペラの重要な作品であり、アメリカではガーシュインの『ポーギーとベス』（1935年）がジャズ要素を取り入れている。
5.1 劇場と舞台
オペラは専用の劇場で上演され、舞台は観客を見下ろすように配置され、奥行きと高さを活かしたセットが組まれる。舞台裏には背景の昇降装置や照明設備、音響反射板が備わる。オーケストラピットは舞台前面の下部に位置し、指揮者が歌手とオーケストラを統率する。現代では、字幕装置（スーパータイトル）が舞台上部に設置され、観客が歌詞を理解しやすくなっている。
5.2 オペラハウス
世界有数のオペラハウスとして、ミラノのスカラ座、パリのオペラ座（ガルニエ宮）、ウィーン国立歌劇場、ニューヨークのメトロポリタン歌劇場、ロンドンのロイヤル・オペラ・ハウスがある。これらの劇場は、歴史的な建築と音響の良さで知られ、レパートリーシステム（複数の作品をローテーションで上演）を採用する。日本では東京の新国立劇場が主要なオペラ上演の場である。
5.3 観劇マナーと楽しみ方
観劇には、スマートカジュアル以上の服装が推奨され、開演後の入場や途中退席はマナー違反とされる。拍手はアリアの後や幕の終わりなど、演奏の切れ目に行うのが一般的。公演前に台本やあらすじを読むことで、物語の理解が深まる。近年は、若者向けの割引チケットや、解説付きのプレトークが開催され、初心者にも親しみやすい環境が整っている。
6.1 大衆文化におけるオペラ
オペラの旋律は、映画やテレビ、広告などで頻繁に引用される。例えば、ルッジェーロ・レオンカヴァッロの『道化師』のアリア「衣装をつけろ」は映画『ゴッドファーザー』などで使用され、ワーグナーの『ワルキューレの騎行』は映画『地獄の黙示録』で有名。オペラを題材にした映画『カラス』や『オペラ座の怪人』も人気。アニメやゲームでも、ガーシュインの『ポーギーとベス』が『リトル・マーメイド』などに影響を与えた。
6.2 教育と普及活動
オペラは音楽教育の重要な一部として、学校での鑑賞授業や合唱活動に取り入れられる。多くのオペラハウスは、子ども向けワークショップやアウトリーチプログラムを実施し、地域社会との結びつきを強めている。デジタル配信やライブビューイングの普及により、世界中の観客が手軽に高品質な公演を楽しめるようになり、新たなファン層の拡大に寄与している。