作曲（Musical Composition）是指创造音乐作品的过程，涉及旋律、和声、节奏、织体及结构的构思与记录。作曲者通过灵感与技术手段，将音符、符号与声音组织成具有艺术表达或功能性的乐曲，其成果可表现为乐谱、音频或即兴演奏的框架。作为音乐创作的核心环节，作曲跨越了古典、流行、电子、实验等多元风格，并与演奏、编曲、制作等环节紧密关联。
1 历史演变
作曲的历史与人类音乐实践同步发展，从口传心授的即兴传统逐步演变为高度符号化、理论化的创作体系。
1.1 古代作曲实践
古代文明如美索不达米亚、古埃及、古希腊及古中国已有音乐创作，其形式多为宗教仪式、宫廷庆典或民间歌舞。记谱法尚不成熟，作品主要依靠口耳相传，作曲者身份常与乐师、诗人或祭司重叠。
1.1.1 中世纪与文艺复兴
中世纪（约5-15世纪）的作曲以宗教音乐为核心，格雷果里圣歌奠定了单声部旋律的基础。11世纪，圭多达莱佐发明了线谱记谱法，为复调音乐的发展提供可能。13世纪巴黎圣母院乐派的莱奥南与佩罗坦创作了早期奥尔加农。文艺复兴时期（15-16世纪），若斯坎·德普雷、帕莱斯特里那等人将复调技法推向高峰，音乐不再仅为宗教服务，世俗牧歌与器乐舞曲开始涌现，作曲者的署名意识逐渐增强。
1.1.2 巴洛克与古典时期
巴洛克时期（约1600-1750），蒙特威尔第、J.S.巴赫、亨德尔等作曲家确立了调性和声体系与数字低音（通奏低音）技法，协奏曲、赋格、歌剧等形式成熟。古典时期（约1750-1820），海顿、莫扎特、贝多芬将奏鸣曲式与交响曲、弦乐四重奏等体裁规范化，旋律清晰、结构对称，强调动机发展与调性对抗。作曲家的身份从教会或宫廷雇佣者向独立艺术家过渡。
1.2 浪漫主义与民族乐派
19世纪浪漫主义时期，舒伯特、肖邦、李斯特、瓦格纳等人注重个人情感表达与标题音乐，和声语汇扩展，半音化与不协和音受到青睐。同时，民族乐派（如斯美塔那、德沃夏克、格里格、穆索尔斯基）吸收民间音乐元素，将独特音阶、节奏与叙事主题融入创作。作曲成为一种展现民族身份与文化自觉的手段。
1.3 20世纪现代主义与实验
20世纪初期，传统调性体系被质疑，作曲家开始探索新的声音组织逻辑。德彪西的印象主义、斯特拉文斯基的原始主义率先突破功能和声。
1.3.1 序列主义与无调性
勋伯格创立了十二音技法，彻底放弃调性中心，规定一个序列中每个音使用后才可重复。其弟子韦伯恩将序列化延伸到节奏与力度，形成整体序列主义。无调性音乐（如勋伯格早期作品《月迷彼埃罗》）挑战了听众的听觉习惯，为当代作曲开辟了语言边界。
1.3.2 电子音乐与偶然音乐
20世纪50年代起，电子音乐通过磁带录音、滤波器及合成器（如穆格合成器）诞生。布列兹、斯托克豪森等人将电子手段与序列主义结合。约翰·凯奇推崇偶然音乐，主张“让声音成为声音”，其作品《4分33秒》中演奏者不发出乐音，由环境音充当作品内容。偶然音乐彻底解构了作曲者的绝对控制权。
1.4 当代多元融合（21世纪）
进入21世纪，作曲呈现出跨风格、跨文化与跨媒介的特征。古典、流行、电子、世界音乐界限模糊，作曲家频繁使用采样、拼贴与算法生成技术。影视与游戏配乐成为主要消费场景，交响乐与电子音色混搭成为常态。互联网促进了全球作曲资源共享，个人工作室（Home Studio）的普及使独立作品大量涌现。
2 基本要素
作曲的构建基于若干核心音乐元素，它们共同决定了作品的情感特质与技术水准。
2.1 旋律
旋律是音符在时间维度上的横向排列，通常被视为音乐中最具辨识度的部分。它由音高（音程关系）与节奏（时长与重音）组成，常包含起承转合的逻辑。优秀的旋律往往具有清晰的轮廓、可记忆的乐句以及情感暗示，例如上行表达昂扬、下行传递忧伤。
2.2 和声
和声关注多个音同时发声时产生的音响效果及其运动逻辑，为旋律提供纵向支撑与色彩。
2.2.1 和弦进行
和弦进行是和声的具体实现，指一系列和弦按一定顺序连接。西方古典音乐中常见I-IV-V-I的终止式，流行音乐中I-V-vi-IV的进行广泛使用。不同进行传达不同情绪：大三和弦明亮，小三和弦暗淡；七和弦、九和弦增加紧张感；变和弦与替代和弦带来色彩。
2.2.2 调性与无调性
调性指以某音为主音、基于特定音阶建立的和声体系（如C大调、a小调），是传统音乐的组织核心。无调性则否定中心音的存在，所有音高处于平等地位，通过音级集合或序列控制进行。调性音乐追求“回归”与解决，无调性则追求悬置与开放。
2.3 节奏与节拍
节奏是声音的长短与间隔组合，节拍是有规律的强弱周期划分。二者共同塑造音乐的律动感与时间结构。
2.3.1 节拍类型
常见节拍包括二拍子（2/4、4/4）、三拍子（3/4、6/8）及复节拍（5/4、7/8）。4/4拍最为普遍，属于“通行拍”；3/4拍与圆舞曲相关；不对称节拍（如5/4）常见于民间音乐或现代流行，带来不稳定流动。
2.3.2 节奏型与切分
节奏型是重复出现的特定节奏模式，如前八后十六、附点、三连音。切分则故意打破常规重音位置，使强拍弱化或使弱拍重读，增加动感与张力。爵士乐与放克音乐大量依赖切分及抢拍，以激发摇摆感。
2.4 织体
织体指各声部或音层在整体中的组织方式，决定了音乐的厚薄与层次。
2.4.1 单声部与复调
单声部织体仅一条旋律线，如格里高利圣歌或独奏独唱。复调织体包含两条及以上独立旋律同时进行，形成对位关系，如巴赫的赋格。复调的精髓在于各声部既交织又保持独立性，类似于多段对话。
2.4.2 主调与对位
主调织体以一条旋律为主，其他声部以伴奏形式烘托（如和弦铺底），是流行歌曲的主流。对位是特定作曲技法，强调各声部的横向独立与纵向和谐，与复调概念紧密关联。古典时期的四部和声（女高音、女低音、男高音、男低音）常呈现主调风格，但局部融入对位。
2.5 结构与形式
结构是音乐的时间骨架，控制素材的呈现顺序与重复逻辑。
2.5.1 二段式、三段式与回旋曲
二段式（A-B）由两个对比或发展性乐段构成，常用于小曲；三段式（A-B-A）引入中段对比后回归首段，是大量歌曲与舞曲的基础结构。回旋曲（A-B-A-C-A-D-A）以主部多次反复、插入不同插部为特征，适合活跃、欢快的终曲。
2.5.2 奏鸣曲式与变奏曲式
奏鸣曲式是古典奏鸣曲、交响曲首乐章的标准结构：呈示部（主部、连接部、副部、结束部）、展开部（动机发展）、再现部（调性归位）。变奏曲式（如“主题与变奏”）先呈现曲调，后通过音型、节拍、调性、和声等变化生出一系列变体，是展演变幻之趣的经典形式。
3 作曲技法
作曲技法是将基本要素转化为完整作品的实操手段，涉及从小型动机到整体配器的多层次决策。
3.1 动机发展
动机是乐曲中最核心的短小音型（如贝多芬《第五交响曲》的“命运动机”）。发展手法包括：重复、变奏、模进（在不同音高重复）、倒影（逆序或镜面）、扩展与缩减、裂变（拆解为更小单元）及重组。动机发展赋予作品统一性与绵延逻辑，使素材从有限中生长出无限变化。
3.2 对位法
对位法严格规定声部之间的音程关系与进行规则，追求流畅且独立的旋律线条。早期分类包括一音对一音、二音对一音、切分音对位等。现代对位则不拘于教条，更多强调线条的清晰与碰撞的趣味性。对位法训练被视为作曲的“围棋”，锻炼内部听觉与多声思维。
3.3 配器与音色布局
配器决定由何种乐器、以何种方式演奏，是音乐最终音响的呈现窗口。
3.3.1 管弦乐配器
传统管弦乐器分为弦乐、木管、铜管、打击乐四大组。优秀配器需考虑各乐器音区、音色、力度与演奏技法，以及声部平衡（如弦乐铺底、铜管高潮、木管点彩）。典型配器手法包括同音色叠加、对比色层、打击乐节奏刺穿等，以营造戏剧性色彩。
3.3.2 电子音色设计
电子作曲依靠合成器、采样器、效果器创造自然界不存在的声音。常用技法：波形合成（加法/减法/调频）、采样切片、颗粒合成、倍频共振及空间处理（混响/延拓）。音色库（如Surge、Serum、Omnisphere）提供预设，但高级用户通过调制和自动化微调音色的动态变化。
3.4 数字工具与算法作曲
计算机与软件已深刻改变当代作曲的流程与可能。
3.4.1 DAW与MIDI
数字音频工作站（DAW，如Ableton Live、Logic Pro、Cubase）是集录音、编辑、混音、虚拟乐器于一体的平台。MIDI（乐器数字接口）作为指令协议，允许用户输入音符、力度、控制器数据，驱动软音源或硬件合成器。量化、转调、琶音器、和弦工具大幅提高了创作效率。
3.4.2 生成式音乐技术
算法/生成式音乐通过设定数学规则（如马尔可夫链、L系统、分形）或机器学习模型（如RNN、GAN）自动产生音高、节奏或结构。先锋如布莱恩·伊诺的“环境音乐”以随机生成为核心，现代程序如OpenAI的MuseNet或谷歌的Magenta可生成风格模仿作品。生成式技术模糊了“创作者”与“策展者”的界限。
4 作曲流程
实际作曲通常经历从无到有的非线性过程，不同创作者有迥异偏好，但大致遵循以下阶段。
4.1 灵感与概念设定
灵感可能来自外部声音、旋律片段、情绪、图像、故事或数学约束。概念设定包括确定风格、情感基调、目标媒介（如电影配乐或广告曲）。有些作曲者通过自由联想（如哼唱、弹奏）捕捉素材，有些则基于文献或民族音乐素材做前置研究。
4.2 草稿与即兴探索
将灵感转化为可操作的片段。常见做法：使用钢琴或吉他弹奏和弦与旋律；录制即兴哼唱；在DAW中搭建节奏框架与和声走法。此阶段允许粗糙、重复甚至无意义，关键在于积累足够素材供后续筛选与组合。
4.3 符号化与记谱
将确定的音乐内容转化为可持续传播的形式，是作曲区别于纯即兴的关键。
4.3.1 五线谱与简谱
五线谱是全球标准记谱法，以五条平行线上的音符位置表示音高，辅以时值（全音符、二分音符、四分音符等）和符号（升降号、谱号、连音线）。简谱以数字1-7表示音级，更适合记声乐旋律与简单曲调，在中国、日本及流行文中常用。
4.3.2 图形谱与文字说明
20世纪实验音乐中，作曲家采用图形谱（如布雷恩·伊诺的线条、约翰·凯奇的抽象符号）代替传统音符，赋予演奏者较大诠释空间。文字说明（如“持续低音，渐渐移高”或“制造纸片撕扯声”）常见于现场电子与身体表演，是即时性作品的指导框架。
4.4 修订与定稿
初稿往往需要多轮修订：修正和声不良、调整织体厚度、平衡声部、优化过渡与段落比例。可借助软件（如Sibelius、Finale）打印分谱，或反复回听混音demo寻求客观反馈。定稿意味着所有关键信息（力度、速度、表情记号、演奏提示）已明确，作品具备演出或发布条件。
4.5 排练、录音与最终呈现
作曲者需与演奏者/制作人协作：分谱须清晰，排练中解答技术疑问，调整实际音响（如某乐器音量过大、某段落速度过快）。录音阶段涉及麦克风摆位、多轨混音与母带处理。最终呈现可以是音乐会现场的观众的聆听，也可以是数字流媒体上的成品文件。
5 风格与流派
作曲风格根植于历史传统与当代审美，形成了各具特色的创作范式。
5.1 西方古典作曲传统
强调严格的结构（如奏鸣曲式）、和声逻辑（功能性和声占主导）、对位规则及仪式性演出。从巴洛克赋格到古典交响曲，再到浪漫主义交响诗，古典传统注重乐谱精确性，演奏服从作曲者意图，作品常被置于“艺术音乐”谱系中。
5.2 爵士乐作曲
爵士乐作曲高度依赖和声进行（如II-V-I循环）、扩展和弦（属7、13和弦）、切分节奏与即兴框架。标准曲（Standards）中，主题往往是简短旋律，核心是即兴段落（独奏）。爵士作曲者不仅写出音符，还须设计“节奏变化”和“独奏空间”，典型人物包括艾灵顿公爵、迈尔斯·戴维斯、塞隆尼斯·蒙克。
5.3 流行与摇滚作曲
流行作曲侧重记忆度高的副歌（Hook）、简洁的和弦循环与直白歌词，强调编曲层次与制作质感。
5.3.1 词曲结合模式
歌词与旋律并重，旋律须符合语言声调与音节重音。常见流程：先词后曲、先曲后词或同步创作。副歌常常用重复性短句与音调上行，以制造洗脑效果。摇滚作曲则常以吉他riff（循环乐句）为动机基础，配以鼓组与贝斯驱动的律动。
5.3.2 编曲与制作流程
流行作曲常与编曲、制作紧密融合。编曲者添加乐器编排、和声背景、电子氛围与音效，制作人负责整体音质、动态平衡与节奏感。许多作曲者在DAW中直接编曲，作曲与制作并行，例如使用鼓机、采样和自动化完成一首Demo。
5.4 影视与游戏配乐
配乐需服务于叙事，和画面、对白、音效保持互动，是“功能作曲”的代表。
5.4.1 音画同步技法
三种常见同步方式：（1）米老鼠技巧（Mickey-Mousing）——音乐严格跟随画面动作；（2）情绪氛围——音乐呼应整体场景情绪而不逐帧匹配；（3）音画对位——音乐与画面情绪相反（如暴力画面配舒缓古典乐）。时码（SMPTE）和示波器用于精确对位。
5.4.2 交互式音乐系统
游戏配乐因玩家行为产生随机性，需采用分层系统（Layers）或逻辑切换（Stems）。例如，战斗状态切换至紧张段落；探索时播放环境层。流行中间件（如Wwise、FMOD）允许作曲者设计条件触发与动态混音，保证音乐随游戏进程无缝衔接。
5.5 世界民族音乐作曲特征
非西方传统作曲往往基于独特音阶（如五声音阶、阿拉伯Maqam、印度Raga）、复杂节奏循环（如非洲复合节奏、土耳其乌苏尔）与口头传承技法。作曲者须深入研习文化语境，尊重原有元素，避免刻板挪用。当代融合作品中，民族乐器（如二胡、西塔琴、非洲鼓）常与西方管弦或电子音色并置。
6 教育与职业
成为一名作曲者需要系统学习与环境支持，职业路径涉及艺术、市场与法律多个维度。
6.1 作曲教育体系
传统与现代教育方式并行，为不同需求者提供路径。
6.1.1 学院派课程与学位
音乐学院和综合性大学开设作曲专业，课程包含视唱练耳、和声学、复调、配器法、音乐史及电子音乐、多媒体作曲等。学士、硕士、艺术博士（DMA）阶段要求学生提交原创作品集，并演奏/录制。学院派强调理论严谨与多样风格尝试，但也可能限制即兴能力。
6.1.2 自学与在线资源
网络大大降低了学习门槛。YouTube教程（如Andrew Huang、Adam Neely）、付费课程（MasterClass、Skillshare）、乐谱社区（Musescore）与AI工具为自学者提供素材。自学方向者往往发展出更强的个人风格与市场嗅觉。
6.2 职业作曲人角色
作曲者有“艺术家”与“服务提供者”双重身份。
6.2.1 独立作曲家
通常从事艺术创作、专辑发行或演出项目，收入依靠版税、佣金、资助或众筹。独立性意味着自主权高，但经济不稳定，需参与宣传、制作与社交。典型范例包括当代古典作曲家在音乐节首演、独立音乐人通过Bandcamp发行作品。
6.2.2 商业作曲与自由职业
多数职业作曲人服务于影视、游戏、广告、流行编曲等商业领域。他们按项目收费，需快速理解客户需求、按时交付成品。自由职业者通过社交网络、作品集网站及中介平台（如AirGigs、SoundBetter）接单，收入差异极大。
6.3 版权与收益
保护作曲成果及其衍生收益是职业生存的基础。
6.3.1 著作权与注册
作曲完成即自动拥有著作权（著作权法保护），但注册于版权机构（如美国版权局、中国国家版权局）可提供法律证据。一般而言，作曲者拥有“词曲权”（Composition copyright），与录音的“母带权”（Master copyright）分开。
6.3.2 版税与授权方式
主要版税类型包括：表演权版税（通过AIRT平台如ASCAP、BMI、JASRAC收取）、机械版税（唱片/数字下载）、同步授权费（影视游戏使用费）、印刷版税（乐谱销售）。授权方式包括独家授权、非独家许可、创作共用协议（CC），不同方式影响收益分配。
7 相关争议与趣闻
作曲领域存在诸多边界模糊的争议，以及轻松有趣的轶事。
7.1 “作曲”与“编曲”的模糊边界
中文语境中，作曲常指创作旋律与和声骨架，编曲指对已有作品的乐器编排、节奏安排与音响设计，但两者界限在流行制作中极模糊。例如，若编曲者主动创作了和弦进行与结构段落，是否该享有作曲署名？各地司法判例与行业惯例差异大，导致报酬分配争议。有些乐队成员（如吉他手与鼓手）合作完成动机，却因署名不明确发生冲突。
7.2 AI作曲引发的原创性讨论
生成式AI（如Suno、Udio、MuseNet）能以秒级速度产出风格模仿作品，引发“音乐是否仍是人类专属表达”的讨论。反对者认为AI只是概率组合，缺乏意识与意图；支持者指出人工智能可激发人类灵感、辅助后期效率。法律上，AI生成内容是否享有版权尚未统一（如美国版权局裁定AI作品不可注册，中国则特定条件可）。该争议将持续伴随技术进步。
7.3 传奇作曲家的怪癖与趣闻
历史与当代中充满作曲家的幽默瞬间：贝多芬在创作时会把冷水泼到自己头上，自认为“刺激灵感”；莫扎特则喜欢在打台球时记谱；约翰·凯奇曾声称在作曲前通过吃香菇进入“混沌状态”。现代高手如汉斯·季默最爱在深夜写旋律，疯狂喝咖啡；电子音乐家布莱恩·伊诺在录音室放置一堆卡片，上面写着疯狂句子（“假装你是水管工”）来搞实验。这些怪癖既是传言也反映了创作者的另类工作狂态。